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Fashion
Una revisión de la historia de la moda estadounidense en la MET Gala
02.05.2022
Por Berenice Andrade

El primer lunes de mayo, lo que significa la icónica alfombra roja de la MET Gala y la apertura de su exposición anual dedicada al vestido del MET Costume Institute. Este año inaugura In America: An Anthology of Fashion la segunda parte de la exposición In America: A Lexicon of Fashion, donde se explora la historia de la moda estadounidense.

Después de que fue cancelada durante la pandemia en el 2020, el Instituto del Vestido del Met decidió que la siguiente exposición sería sobre la Historia de la moda de Estados Unidos. En primera instancia porque la última revisión del tema fue en 1998 con la exhibición American Ingenuity; y segundo porque, en palabras de Andrew Bolton, curador del museo, se quiso hacer una celebración de la moda americana y un medio de promoción y apoyo a diseñadores estadounidenses después del tiempo tan duro que ha pasado la industria en los últimos dos años.

La moda es tanto un presagio de cambios culturales como un registro de las fuerzas, creencias y eventos que dan forma a nuestras vidas

Max Hollein, director ejecutivo del MET.
Fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte.

A Lexicon Of Fashion

Para poder explicar la apertura de la segunda parte, debemos entender la primera que habla sobre el lenguaje de la moda norteamericana, estableciendo un vocabulario basado en las cualidades expresivas de la ropa y de su relación con conceptos de igualdad, diversidad e inclusión.

Esta primera parte tomó como hilo conductor una colcha de patchwork de 1856 (parte de la colección del museo) formada por retazos rectangulares de tela donde se encuentran firmas de personajes históricos de Estados Unidos, incluidos presidentes. La prenda sirve como metáfora de la formación del país y la unión de diferentes identidades culturales.

La exposición está dividida en 12 partes, que aluden a este vocabulario llamadas:  Nostalgia, Belonging , Delight, Joy, Wonder, Affinity, Confidence, Strength, Desire, Assurance, Comfort y Consciousness. Cuenta con más de 100 objetos expuestos, entre prendas de hombre y mujer, que se montaron en vitrinas simulando cada uno de los parches de la colcha. A lo largo del año, las prendas se cambiarán y se adicionarán otras, manteniendo siempre viva la exhibición. Así se invita a visitarla más de una vez y nunca verás lo mismo.

Fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte.

An Anthology Of Fashion

Esta segunda parte que se inaugura el 2 de mayo, es la última entrega de la trilogía de exposiciones de época, que comenzó con Dangerous Liaisons: Fashion and Forniture in the 18th Century (2004) y después con AngloMania: Tradition and Transgression in British Fashion (2006).

Aqui se habla sobre las narrativas sartoriales relacionadas con la historia de Estados Unidos; considerando cómo la moda refleja las nociones evolutivas y la multitud de perspectivas de su identidad. Así es como las prendas nos llevan al pasado, mostrándonos el impacto estético y cultural que tiene la moda en la vida.

La exposición explora el papel de la vestimenta en la formación de la identidad –o identidades– estadounidense, representando periodos importantes en cada sala del museo. Por ejemplo, en una de ellas se habla de la utilidad, la simplicidad y la practicidad en el sportswear, a través de los diseños de Claire McCardell; o usan el mural panorámico de Versalles de 1819, de John Vandelyn, para hablar de la Batalla de Versalles (1973), donde se enfrentaron diseñadores estadounidenses contra franceses.

In America: An Anthology Of Fashion revisa más de 300 años de moda estadounidense, exponiendo piezas desde siglo XVIII hasta la actualidad. Estas prendas se unen a los marcos cinematográficos para contar historias que van desde lo personal hasta lo político y de lo estético hasta lo ideológico. Esto se vuelve más atractivo ya que para realizarlos se invitaron a varios cineastas, entre ellos Sofia Coppola, Martin Scorsese, Chloe Zhao y Tom Ford.

fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte.
Prabal Gurung. Fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte

¿Quiénes representan el Diseño de Moda estadounidense?

En la exposición se encuentran expuestos diseñadorxs y directorxs creativxs como Carolina Herrera, Prabal Gurung, Anna Sui, Zac Posen; incluso hay prendas de Savage X Fenty.

Elegimos a cinco de ellos para contarte su historia y porqué sus aportaciones son valiosas para esta visión museística.

Ralph Lauren

Una playera de algodón con un pequeño cuello doblado y un jugador de polo pequeño a un costado ha quedado en nuestra mente para siempre: la camisa polo. Esta fue la creación del diseñador neoyorquino, Ralph Lauren, uno de los pioneros de la estética preppy.

Sus diseños han evocando la estética aristocrática inglesa adaptándola al estilo deportivo y funcional americano. Más que seguir las tendencias, sus piezas expresan atemporalidad y son parte de una forma muy particular de vestir de las clases altas estadounidenses, reconocible en todo el mundo.

Ralph Lauren. Fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte.

Dapper Dan

Nacido en Harlem, Nueva York, fue uno de los diseñadores más importantes de la moda afroamericana, siendo el pionero de la ropa de lujo para la comunidad negra. Vistió desde atletas y cantantes de HipHop, hasta capos de la droga y gángsters; su trabajo se caracteriza por la reinterpretación de los logos de casas de lujo como Gucci, Fendi o Louis Vuitton en piezas de cuero que él diseñaba. De esta manera reconocía el estatus simbólico y de poder en ellos. Fue demandado por plagio pero en el 2018 Gucci lo invitó a crear una colección cápsula.

Dapper Dan of Harlem. Fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte.

Telfar Clemens

Telfar Clemens nació en Queens, Nueva York, sus trabajos incorporan lo genderless, la funcionalidad y la simplicidad con elementos de la ropa deportiva. Su lema “no es para ti, es para todos” habla mucho de su visión sobre la moda contemporánea. En 2014 sacó un bolso apodado el Bushwick Birkin que rápidamente se volvió símbolo de una moda democrática, definiéndolo como una bolsa que da estatus sin que esto se relacione con el dinero.

Telfar. Fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte.

Marc Jacobs

¿Nirvana y el estilo grunge te suena? El diseñador neoyorquino, Marc Jacobs, se inspiró en esta estética que disitnguió a los rebeldes de los 90. En 1988 siendo encargado del departamento de mujeres de Perry Ellis presentó su colección del 92, nombrándola Grunge. La colección se caracterizó por las combinaciones poco usuales para la época, como vestidos floreados con encajes, botas de combate y estampados a cuadros. A partir de esto, la estética grunge dominó parte de la moda, música y la cultura pop de los años 90 y hasta la actualidad.

Marc Jacobs. Fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte.

Isabel Toledo

Esta diseñadora cubana ha sido reconocida por varios museos, como el Fashion Institute Of Technology, definiendo su trabajo como arte, más que moda. Sus técnicas de diseño influenciadas por Madame Grès y Madeleine Vionnet abordan el drapeado cortando y armando en tercera dimensión con materiales como el denim, jersey y franela de algodón. En 2009 vistió a la ex primera dama Michelle Obama para la toma de protesta de su marido, formando parte de la historia contemporánea de Estados Unidos.

Isabel Toledo. Fotografía propiedad del Museo Metropolitano de Arte.

Fuentes:

Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Ralph Luren, Enciclopedia Británica

Dapper Dan, The Guardian

Telfat Clemens, The New York Times

Marc Jacobs, Enciclopedia Británica

Isabel Toledo, W Magazine y The New York Times